永远的达 · 芬奇

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展览地点:“品读经典”微艺术空间
(小洲艺术区一区)


实践是一种真理,其规则尺度足以使你去伪存真。

                           —达·芬奇笔记


达·芬奇,全名列奥纳多·迪·皮耶罗·达·芬奇(Leonardo Di Ser Piero Da Vinci,1452.4.15—1519.5.2),是历史上最著名的画家之一,也是欧洲文艺复兴时期最完美的代表。他是一位思想深邃、学识渊博、多才多艺的画家、寓言家、雕塑家、发明家、哲学家、音乐家、医学家、生物学家、地理学家、建筑工程师和军事工程师。


达·芬奇提出:绘画是一种自我的精神。他认为,从不定型的东西里,思想总能迸发出新的创意。他的艺术实践和科学探索精神对后代产生了重大而深远的影响。他反对经院哲学家们把过去的教义和言论作为知识基础,他鼓励人们向大自然学习,到自然界中寻求知识和真理。他认为知识起源于实践,只有从实践出发,通过实践去探索科学的奥秘。他说“理论脱离实践是最大的不幸”,“实践应以好的理论为基础”。达·芬奇提出并掌握了这种先进的科学方法,采用这种科学方法去进行科学研究,在自然科学方面作出了巨大的贡献。他提出的这一方法,后来得到了伽利略的发展,并由英国哲学家培根从理论上加以总结,成为近代自然科学的最基本方法。达·芬奇坚信科学,他对宗教感到厌恶,抨击天主教为“一个贩卖欺骗与谎言的店铺”。他说:“真理只有一个,他不是在宗教之中,而是在科学之中。”达·芬奇的实验工作方法为后来哥白尼、伽利略、开普勒、爱因斯坦、牛顿等人的发明创造开辟了新的道路。


达·芬奇一生完成的作品不多,但几乎件件都是不朽的名作。他的作品自始至终具有鲜明的个人风格,并特别善于将艺术创作和科学探讨相结合,在世界美术史上堪称独步,与米开朗基罗和拉斐尔并称为“文艺复兴艺术三杰”。学术界一般将达·芬奇的创作活动分为早期和盛期两个阶段。早期的著名创作有《基督受洗》、《受胎告知》、《吉内薇拉·班琪》、《荒野中的圣杰罗姆》、《三博士来拜》、《维特鲁威人》等;盛期创作的著名作品有《最后的晚餐》、《安吉里之战》、《圣母子与圣安娜、圣约翰》、《蒙娜丽莎》、《岩间圣母》、《圣母子与圣安娜》、《施洗者圣约翰》等。达·芬奇的艺术作品不仅能像镜子似的反映事物,而且还以思考指导创作,从自然界中观察和选择美的部分加以表现。壁画《最后的晚餐》、《安吉里之战》和肖像画《蒙娜丽莎》是他一生的三大杰作。这三幅作品是达·芬奇为世界艺术宝库留下的珍品中的珍品,是欧洲艺术的拱顶之石。


达·芬奇晚年极少作画,潜心科学研究,去世时留下大量笔记手稿,内容从物理、数学到生物解剖,几乎无所不包。达·芬奇一生完成的绘画作品并不多,但件件都是不朽之作。其作品具有明显的个人风格,并善于将艺术创作和科学探讨结合起来,这在世界美术史上是独一无二的。在艺术创作方面,达·芬奇解决了造型艺术的建筑、雕刻、绘画这三个领域的重大问题:解决了纪念性中央圆屋顶建筑物设计和理想城市的规划问题;解决了15世纪以来雕刻家深感棘手的骑马纪念碑雕像的问题;解决了当时绘画中两个重要领域—纪念性壁画和祭坛画的问题。


达·芬奇临终时写道:“一日操劳,睡得安逸;一生尽责,死亦无憾!”让我们通过对达·芬奇著名画作的欣赏和解读,来认识这位500年前的艺术巨匠。让我们隔着500年的时光,来纪念这位伟大的达·芬奇!


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《耶稣受洗》 约1470年绘

180×152cm  木板蛋彩画和油画

意大利佛罗伦斯乌菲兹美术馆藏

【背 景】 

这幅画表现的是耶稣洗礼的场面。原为达·芬奇老师韦罗基奥所做的遗弃作品,达·芬奇接手完工。奉老师之命画了最左侧的一个小天使,耶稣与风景的左侧部分,原先已经画上蛋彩的部分用油彩润色。这一个侧面形象的小天使,从人物造型和脸部的神情表现来看,要比老师所画的其他几个人物生动得多。老师韦罗基奥看了之后,也颇有自愧勿如的心情。自此以后,达·芬奇被老师介绍给一位在陶器釉绘上有独特技艺的画家卢卡·德拉·波比亚,让达芬奇进一步向这位色彩大师学习绘画的技艺。

 

【解 读】  

达·芬奇描绘的是一个天真无邪、毫无神秘色彩的儿童形象。儿童头部的卷发、身上的衣褶以及后面的自然背景之间的和谐关系,给人以极其真实可信的感受。色彩表现符合规律,形体的写实性十分强烈,因而给人以神态毕肖的印象。画布上这个跪着的小天使,目光炯炯有神,他认真而又好奇地注视着眼前所发生的事件。这一切似乎使他深入幻想的境界。达·芬奇尽管是初露头角,但可以看出他在人体结构与自然形象方面的深入探究已经优于他的老师。


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《受孕告知》 约1472年绘

 104×217cm  木板油画

意大利佛罗伦萨乌菲兹博物馆藏

【背 景】 

描写的是《新约全书·马太福音》玛利亚受圣灵感动的故事,天使告诉玛利亚已经受到神的蒙恩怀孕,可以给他起名叫耶稣。这是达·芬奇青年时代的作品,也是现存达·芬奇最早的作品。这幅画是没有老师指导而独立完成的初次尝试,构图虽没有创新,而远处海滨城市背景的描绘却已看到达·芬奇注意到了氛围的表现,以及他在探索客观真实中所作出的努力,尽量想表现物质世界的本来面貌。这表明他一开始就致力于解决写实与典型加工的辩证关系。这除了有一点自由构思外,这幅画的场景都是达·芬奇遵循一般的透视画法来构思的。


【解 读】 

这种题材之前的画家已有各种表现,而达·芬奇采用了横幅,是为了展现美丽的贵族庭院生活,让视野更开阔些。借助宗教故事中天使加百列与圣母玛利亚对话的情节,既满足社会需要,也给绘画技巧的探索提供方便。他选用了对称的形式,画了跪在草坪上传达神旨的天使和正悠闲地在庭院读书的玛利亚两个形象。这里的天使报喜富有戏剧性。玛利亚的神态虽然平静,左手往后一缩的动作也显露出她内心的惊讶。她似乎不能自恃,怀疑是否听错了天使的话。整洁美观的大庭院是运用科学的焦点透视法来展现的,宅院内华贵的建筑、雕花读书台、门内隐约可见的床上悬挂的红被子,都经过仔细的透视推敲。两个人物身上的衣褶是经过大量习作研究之后肯定下来的。所有这一切,都是为寻求绘画平面反映事物的准确性,但也显露出画家早期绘画上的刻板。达·芬奇将事件设计在一种难以捉摸的光线中—处于晨曦与余晖之间,光线模模糊糊使人物轮廓变得柔和,成为达·芬奇后来绘画的独有特色。


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《吉内薇拉·班琪》 约1474年绘

38.1×37cm  木板油画

美国华盛顿国家美术馆藏

【背 景】 

达·芬奇的肖像代表作品之一,是画家最早的肖像画。这是当时意大利佛罗伦萨银行家的女儿的画像,这幅肖像受威尼斯在佛罗伦萨的大使、诗人和人文主义者贝尔纳多·本波委托而画。当时的少女在结婚时,习惯都会画一幅肖像画做纪念。这件作品由于底部受损下半部分已被裁切,那部分可能是手臂的部分。有些人认为,如果这件作品没有被裁切的话有可能和《蒙娜丽莎》一样是一件惊世骇俗的作品。这幅作品堪称艺术史上已知的最早刻画人物心理的绘画之一。


【解 读】  

画中女主角的眼帘低垂,眉宇之间带着一丝淡淡的忧郁,美中有忧伤和茫然。她衣服中有薄纱且与胸前的扣环清楚保留着空隙。画家一反15世纪艺术追求线条分明的传统,以逆光夕照的色调渲染他所倡导的透视效果。画中并没有运用线,反而运用“阴影”加强立体感。

这幅画的背面绘制了缠绕缎带的刺柏(贞洁)、月桂(诗意文化)和棕榈枝(基督教道德)组成的花环,缎带上写“美丽装饰美德”(Virtutem Forma Decorat),象征着大使与这位名媛兼诗人之间有着柏拉图式的纯洁友谊。创作这幅画时,达·芬奇仍是韦罗基奥(Andrea da Verrocchio)画室中的学徒。这个时期是油画颜料的早期实验时期,年轻的达·芬奇展现出对这种媒介令人吃惊的掌握程度。在对卷发和皮肤的晕涂法处理上,体现出令人震惊的自然主义手法,他将手指蘸入湿颜料中,软化笔触,棕色的叶子最初是鲜绿色。


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《拈花圣母》 1475年绘

15.7×12.8cm  布面油画

美国华盛顿国家美术馆藏  

【背 景】 

该画又名《抱婴圣母》,与《康乃馨圣母》的构图和场景相似,表现的是年轻的玛利亚和儿子耶稣在一起的情景。

 

《康乃馨圣母》 1473—1478年绘 

62×47.5cm  木板油画

德国慕尼黑老绘画美术馆藏

【背 景】  

当时达·芬奇刚过20岁,体现了其对光线效果的处理上极度复杂的概念,这是典型的佛兰芒文化的特点。

 

【解 读】  

圣母穿着暗蓝色的衣服,外加红袖红裙,身披金色的斗篷,胸前别了一只胸针。圣母将圣婴抱在怀里,一手扶着圣婴,一手则拿着一朵康乃馨。圣婴正伸出手想要抓住康乃馨。在房间的半明半暗中,圣母把一支康乃馨交给他的儿子,侧光照在衣服的褶皱上、轻柔精美的丝绸装饰的头发上和圆润甜美的圣婴的皮肤上。据说,圣母玛利亚看到耶稣受难时留下的伤心泪水掉下的地方长出了康乃馨,因此粉红康乃馨成为了不朽母爱的象征。红色康乃馨则是象征殉难的基督徒的血,似乎预示了圣婴以后的遭遇。

此画前景中摆着一瓶花,圣母的肘部几乎就要碰到花瓶。该画是达·芬奇跟韦罗基奥学徒时期的作品,画中的圣母带有老师韦罗基奥的女性形象的原型特点,金黄色的卷发,双眼望着下方。能反映达·芬奇特色的地方是圣母身后穿过凉廊的一排崎岖不平、犬牙交错的山峰。背景的门窗朝着风景开着,突破了传统的主角指向人物模式,风景也变成了主角。年轻的达·芬奇有一个有趣的试验领域是关于身体的动作与人类情感的联系,所谓“情感的表现”。画中圣婴动作和姿势的变化,创造了生动的结构。


《柏诺瓦圣母》 1478—1480年绘

 49.5×33cm   布面油画

俄罗斯圣彼得堡冬宫博物馆藏

【背 景】

达·芬奇在完成学徒生涯后开始在尝试和磨炼中展现才华,圣母与圣婴的肖像画在他的素描和油画中得以持续发展。这幅画作被视为达·芬奇创作道路上的第一个里程碑。

 

【解 读】  

这幅画虽然也是宗教题材,但却完全排除了宗教画的气息,圣母已不再是传统宗教画中的那种超脱人世的冷漠、僵硬的面孔,而是面带幸福的微笑,充满着浓厚的人情味。画家利用顶端的两扇圆拱的窗户设计,将观赏者的注意力引导到坐在板凳上的圣母与圣婴。位于中央偏左位置的圣母将没穿衣服的圣婴抱在怀里,她一手扶着他,一手则拿着一朵花,圣婴右手探出想要拿花,另一只手抓住母亲。玩弄花朵这个动作构成了整幅画的主题,而画面垂直的中心轴不偏不倚正好通过三只手和缓交错的地方,成为全画的中心点。圣母穿着一身精致飘拂的蓝袍外加红裙与露出的红袖;她在胸前别了一只胸针,将蓬松的卷发精心地编成辫子。在这幅画中圣母与圣婴交织的双手和眼神,进而构成了一幅和睦的画面。圣婴手中的花分散了圣母的注意力,而四片花瓣也暗示着未来耶稣在十字架上受难。达·芬奇舍弃了坚硬的轮廓线,使人物的外形逐渐溶入背景,纯粹以明暗来定义物体与空间的关系,明暗的渐层过渡十分细腻。运用“晕涂法”的效果对于人物以外的其它描写也简化许多,省略了不必要的细节,以强化人物主题的重要性。这都是对后世有决定性影响的绘画观念和技法。


荒野中的圣杰罗姆 1480年_副本.jpg

《荒野中的圣杰罗姆》 1480—1482年绘(未完成)

 103×75cm  木板油画

梵蒂冈美术馆藏

【背 景】  

杰罗姆((Saint Jerome ,约340—420年),是古代西方教会的伟大学者,以研究圣经和注释经文闻名。他通晓希伯来文、拉丁文和希腊文,曾根据希伯来文版本用拉丁文重新翻译圣经,即《通俗拉丁文译本》(武加大译本,Biblia Vulgata )。由于此译本对中世纪神学有很大影响,16世纪中叶被特兰托宗教会议定为法定版本。现代主要的圣经版本,都源自于这个拉丁文版本。杰罗姆一直被西方笔译和口译工作者奉为守护神,每年的国际翻译日就是他的生日9月30日,长期以来,笔译和口译工作者(以及他们所在的协会)都会利用他的生日前后的日子举行纪念活动。

杰罗姆是佛兰西教派的苦行僧。传说有一天杰罗姆在家中闲坐,突然闯进了一头脚上扎着刺的狮子。杰罗姆看它很可怜,便替它把刺拔去。从此,那狮子便成为他的亲密伴侣。


【解 读】  

这是一幅未完成的宗教画,描绘的是在忏悔中用石块敲打自身的圣徒和吼叫的狮子。画家力图表现出杰罗姆内心激动,狂热的情感,虔诚、苦行的精神状态,并试图在复杂的空间中巧妙地真实地描绘人体。

 

《三博士来朝》 1481年绘(未完成)

 246×243cm  木板炭黑油画  

意大利佛罗伦萨乌菲兹美术馆藏

【背 景】  

达·芬奇受委托绘制的大型祭坛画,出自《圣经》新约全书讲述三个国王或称东方三博士前来向初生的耶稣表示敬意的故事,这是文艺复兴时期绘画中最常出现的一个主题。这幅作品标志达·芬奇艺术风格达到成熟期。达·芬奇为了追求完美无缺,画了数不清的草图,因工作进展缓慢修道院的僧侣表示不满,达·芬奇一气之下停止了创作。多张草图目前被分散存放在意大利乌菲兹美术馆、法国卢浮宫博物馆、英国伦敦皇家图书馆、温莎城堡和伦敦大英博物馆。


【解 读】  

画家不再以叙事角度简单罗列有关人物,而是以激烈对比的构图和形象表现显示了艺术上的创新:圣母、圣婴和三位博士形成三角形的稳定构图,周围的群众却以激动的手势环列左右,但画中的人物不是在行进的路上,而是围绕着圣母形成了一个暴风雨般的漩涡;人和动物加起来共有60多个形象,要求每一个人物的动作都不能重复。在其尚未完成的模糊形式中,众多的形象令人不禁产生困惑之感:怀揣敬意和好奇心的这群朝圣者似乎就是一群乌合之众;背景上按精确的透视法画出的建筑遗迹和奔腾飞跃的马队也形成强烈的对照。众人围在圣母子周围,圣母子是作品的中心点,各种人物均按顺时针方向排列,周围人群的包围表现了两人的势单力薄,仿佛有东西要将他们吞掉一般。这一带有威胁意味的漩涡式的人群不仅表现了三个国王献出的象征性的礼物,还预示了孩子的未来。在刻画前景人物、特别是围观的群众时,色调幽暗,让形象从阴影中闪出,一反15世纪绘画明晰透露的特点,力求幽微含蓄,在艺术手法上形成他独创的烟雾状色调,远处骑马搏斗的人物和修理建筑的工人隐约可见。这幅画虽未完成,已表明达·芬奇的艺术探讨大大超越同侪,预示文艺复兴风格的到来。


《抱银貂女子》 1485—1490年 

54.8×40.3cm  木板油彩  

波兰恰尔托雷斯基博物馆藏

【背 景】 

 达·芬奇的女性肖像画,是波兰的国宝。该画描绘了气质高贵的16岁的切奇莉亚·加勒兰妮。这幅作品堪称艺术史上已知的最早刻画人物心理的绘画之一。


【解 读】  

从头顶到紧身胸衣形成了一个黄金矩形轮廓,矩形上半部分是正方形,下部分是黄金矩形。画面的节奏和空间中女子与银貂呈相反的螺旋转动,在肖像艺术中是一个新的现象。

画家用光线和阴影衬托出其优雅的头颅和柔美的脸庞,怀中抱着的毛色光润、形态逼真的银貂使画面生动了起来。貂是处女和希望的象征,也象征忠贞不渝的爱。加勒兰妮是米兰大公最宠爱的女子,貂是大公家族徽章的标志。经X光检测,这幅画的背景原来有一扇开启的门。达·芬奇不断尝试阐述照亮室内人物脸庞的光线来源理论,他使用明暗法(光亮和阴影的均衡)创造间接照明的幻觉。所谓间接照明,是使用墙壁或屏幕来反射光线,这种理论被认为非常现代化,与今天摄影家使用的方法不谋而合。画面明暗的成功处理,是这幅肖像画中最引人注目之处。


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《戴珍珠头饰的夫人像》 约1490 年绘

62×44cm  木板油画

法国巴黎卢浮宫藏

【背 景】  

1483年起,达·芬奇离开佛罗伦萨前往米兰,被聘任为宫廷画家兼工程设计家,直至1499年底。由于达·芬奇精湛的画艺,受到了米兰女皇的赏识和尊重,宫内所有知名的夫人女士,都想有一幅出自这位杰出大师的手笔的自己的肖像画。这幅画作就是其中之一。

 

【解 读】  

众所周知,达·芬奇画的女性肖像难免存在一种“微笑的公式”,但并非全然如此。他的美学观总的说是科学求实的精神。他所注意的是对自然规律的探索。达·芬奇把容貌美丽的女性看成是自然界最完美的产品,他曾说:“试想夺去一个如此美妙的自然造物的生命,那是多么残忍的行为。”所以在对待肖像画上,他时时把人的精神气质与外貌结构结合起来研究。这一幅女性侧面肖像尤其令人感到其描绘的精确性:那一丝不苟的脸部轮廓,美丽而整齐的秀发,贵妇头饰上的珍珠,被他仔细地观察、研究和刻意描绘着。那一串从头绕到颈项的长长的珍珠,几乎每一颗的立面、高光及其圆润感都作了细腻的绘写;黑色的披风和红色的束胸上衣,紧紧地衬托出这位女性的丰满的胸脯,从而增强了贵妇人的华贵与庄重感。如果说,达·芬奇在《蒙娜丽莎》上所注重的是她的神秘的笑容,在这里,画家则是以精确的素描结构赞美着妇女的绝世容貌。


-未完待续-






展馆开放时间

周一至周日   9:00—17:00

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